从美剧到XR拍摄,用CineAltaV挖掘影像的更多可能 | 摄影指导张子乐专访

从美剧到XR拍摄,用CineAltaV挖掘影像的更多可能 | 摄影指导张子乐专访

       电影是现代科学技术和艺术结合的产物,它作为第七艺术,给了我们独有的观赏价值。影视是一个大型的群策群力的创作,一个优秀的影视作品,是一个团队合力协作的结晶。影视是一个有个性的行业,不同的创作者,会带来风格迥异的作品。影视也是一个技术迭代很快的行业,新技术、新产品、新解决方案层出不穷,需要摄影师不断地探索挖掘影像的更多可能。

       摄影指导张子乐,有着丰富的从业经历。他是第一位被波兰国家电影学院录取并毕业的中国人,参与多部国内外电影、纪录片、广告、剧集、美剧等制作,最近他采用全新的XR技术,拍摄了腾讯、中国平安保险、零跑汽车......等多个项目。在这些项目里,都使用到了索尼CineAltaV摄影机。下面就来看看,摄影指导张子乐老师使用索尼CineAltaV摄影机的独到的经验。


摄影指导张子乐

子乐老师您好,能否简单的介绍一下自己?以及您参与过的一些拍摄项目?

张子乐:我大概在2006-07年在香港入行的,师从王昱、黄仲标,他们是我电影摄影的启蒙老师。两年后,我拍的一部超16毫米的片子,赢得KODAK柯达胶片国际技术大奖冠军,从而有机会参加波兰的CAMERAIMAGE电影节、并参观了波兰国家电影学院。当时感受深刻,便报考了该学院。我是学院历史上第一个被录取并完成学业的中国人。对于波兰人来说,国家电影学院是神圣的,我能被录取也感到非常的荣幸。是这所母校教我爱上电影的。母校非常重视纪录片教育,每周都要拍大量的纪录片素材,而且是35毫米的。纪录片与剧情片是没有分别的,而且所有的人物、故事、情感、调度是真实和实时的,某种程度上它比剧情片更难把控。我非常爱拍纪录片,毕业前后大大小小拍了一百多部。与其说自己是摄影师,我更想将自己的标签定义为一名纪录片工作者。

       2017年开始,我在香港担任掌机(摄影师),参与过的项目包括《红海行动》、《使徒行者2》、《梅艳芳》、《怒火重案》、《别叫我赌神》(待上映)等。近期担任摄影指导的电影是陈冲导演的《世间有她 - 死生契阔》。现在正在筹备一部公路电影。

对于摄影机的选择,在试片测试中,您主要关注摄影机的哪些功能特性?

张子乐:每部片子的要求都不一样,这取决于剧本和环境。我试过用索尼的A7S、F55和两支老莱卡的变焦头来完成一部剧情片,效果让导演非常满意。因为导演想要的是John Cassavetes(约翰·卡索维茨)的The Killing of a Chinese Bookie(《谋杀地下老板》)和A Woman Under the Influence(《醉酒的女人》)的那种超16、超8胶片带来的反差和颗粒,以及用变焦头不停地缓缓观察人物的行云流水的风格。

       对于数字摄影机,摄影机的Dynamic Range(动态范围)、体积、机动性、后期流程(色彩管理)等是我最关注的。我并不是说动态范围大的就一定是好的,就像分辨率一样,并不是越高就越好,它和影像质量是没有直接关系的。对于数字机的动态范围的选择,首先,我会看一部摄影机走的是ISO BASE还是EI BASE (Exposure Index,曝光指数)路径,路径的选择取决于制作上的因素。第二,受它直接影响的就是de-beyer(反拜耳运算)的过程和表现,它的取决因素来自于剧本和制作。第三,是最简单的,就是找出摄影机的低光和高光的动态范围,这个做测试就知道了。

       说到这里,其实可以清楚看到,以上三点都和一位同仁有很大的关系:调光师以及调光流程。所以在我选择摄影机时,最主要的考量因素是该制作的调光师本身偏向用什么硬件、什么流程、他/她建议该制作采用什么流程,更重要的是他/她对于人物的理解以及自己的视野。因此,挑选一部与后期高度配合、事半功倍的摄影机,对我来说是很重要的。

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使用PL卡口的CineAltaV电影摄影机

       说到选择摄影机,不得不提CineAltaV的可拆装PL卡口。机身的PL卡口其实是一个E转PL的转接环。这个PL转接环是用Active Lock锁住的,非常的方便和稳固。我特别喜欢这一个设计,因为除了PL镜头以外,E卡口给我提供了无限镜头搭配的可能性,比如M、M42、M43、BNCR、R、EF......。在一部影片里,我常常会搭配多种镜头去服务叙事,也会针对某场戏、某个镜头或者序列去找到某款特别的镜头。CineAltaV可以帮我迅速无障碍地转换镜头。

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将PL卡口拆下即为E卡口

在您拍摄的美剧项目中,为您带来了哪些经验积累?就美国和中国的影视工业和制作环境而言,在摄影工作中您觉得有哪些不同?

张子乐:经验还是蛮多,蛮宝贵的。其实我一直都习惯在不同的国家、地区和文化中工作,比如说波兰、瑞典、德国、法国、英国、印度、美国、中国、中国香港等。每一个地方的制作文化和流程都很不一样,并没有好坏一说。因为人是活的,经验交给我的是我们应该因天时、地利、政策、市场等因素去不停调整适应,找到最平衡的制作方式。

       美国从制作上来说,是工会和片场流程主导,从创作和权限上来说,是编剧、制片人主导。这些决定了美国的工业和制作环境。美国的制作一般来说倾向于重塑真实和高度控制,预制和筹备的阶段比较长和严谨,拍摄阶段只是执行,和创作没太大关系。它的好处是效率和精准度非常高,应该是除了香港以外,我见过效率最高的制作地域了。

       对于国内,我暂时不会用“工业”去形容中国电影,但是我觉得中国电影充满了无限的可能性。在制作上而言我非常喜欢在中国拍电影的机动性。电影就是围绕人讲故事的,人就是在不停地变的,哪怕天气、地理、场景等,也不停在变。我们想象的调度和分镜往往到了拍摄时,演员会根据当时的感受注入生命,所以调度出来常常是另一个样子。那么我们就一定要在当下马上应变,找到一个最好的呈现方式,而不是用故事版把演员死死地框在里面,这样拍出来的东西是生硬的、缺乏生命力的。

在美剧项目的拍摄中,您当时是如何为这部影片做影调设计的?您表示CineAltaV的低照度画面很舒服,从CineAltaV的特点出发,它在拍摄中为摄影师展现了哪些画面的可能性?另外对于制作环境中灯光和美术的要求,这台摄影机为整个制作团队带来了哪些不同以往的表现?

张子乐:那部美剧是2021年底拍完的,题材是洗钱和犯罪。故事讲述了前苏联解体、东欧政治寡头、美国政府腐败、纽约黑帮家族、俄罗斯黑帮、美国九十年代房地产高速发展等的错综复杂关系。主要人物是上流贱民、高端流氓、政治寡头。对人物而言,他们有两面性,一面是见得光的高端人群圈子,另一面是见不得光的。我希望呈现奢华中的霉烂、权贵中的恐惧、上流而低端的气质。90年代的东欧后工业萧条的质感,以及同属90年代的美国华尔街和房地产的淘金热,遍地黄金的美国梦。

       在这个基础上,暗部反差和褪色还原处理,对我来说是最重要的。我的第一个测试是感光元件的低光测试。我用了三款不同的摄影机,比较了感光元件在低光时,从16:1到64:1反差的层次和过度(2:1到8:1反差是没必要做的,因为只要照度够,任何机器都没问题的),镜头的光圈全部放在了T2.8和T8.0,做了密度比较。对于反差的测试项目,除了人脸的对比,更重要的就是人和背景的对比,这个对比直接影响了色彩的褪色管理。

       我们拍摄的场景跨越了东欧六国,全部都是实景拍摄,要的就是前苏联遗留的质感。所以肯定是曝光服务场景,而不是美术服务曝光。大部分场景的共同色调是红、绿、啡。当这三个属于90年代的前苏联色调发酵后,就褪成了深橙、浅青和稻草色。这三个颜色在色盘上是对立的,并不舒服。我采取了几个使它们有机融合的方法,第一是演员服装,只要在色盘中找出与这些底色搭配的色系,再融到服装里,就会有很大的帮助。第二是调解色,我让道具帮我备了大量的10%灰度的乳胶漆,加橙、加青、以及加啡,做出三种选择,根据构图,去到哪里涂到哪里。第三,就是在测试中找到低光层次最适合的感光元件。我的测试结果给出的答案是CineAltaV。它让我在暗部里可以毫无后顾之忧地制造高反差。

       当然,要做好色彩管理,后期的配合是很重要的。“后期”在这里指的不是拍摄后的工作,而是在拍摄前,一早做好的后期的执行方案。拍摄前我们会看一次景,我在每个主场景里都拍了大量带色板的照片,然后交给调光师预制出一个能达到极限的Look Up Table(LUT),从而在开拍前定调。这样灯光组基本上是根据我的LUT打出来的。当美术拿它对比Pantone一看,马上就能知道颜色的创作误差是多少。这让工作变得非常顺畅。

在基础感光度的使用上,一般您喜欢用CineAltaV的500基准感光度还是2500基准感光度?如何判断不同基准感光度的使用环境?这两档基准感光度在噪点和动态范围上都给您怎样的感受?

张子乐:这个是没有规律的,还是看戏的需要。CineAltaV用的曝光路径是ISO,而不是EI,这让我可以更加精细地去选择不同场景的曝光基准。只要配合一个示波器,我就能得到最大的安全感。

       而EI对我来说虽然方便,但也有点“傻瓜机”的意思。500基准感光度一般情况下来说是有利于高光、日戏等拍摄,而2500基准则有利于低光、夜戏等拍摄。这一层可以说是说明书层面的意义。但是CineAltaV的优势远多与此。

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更改基准感光度

       首先,不论是在500还是2500的基准感光度时,不同ISO变换,都会直接改变感光元件的Dynamic Range Shift(动态范围偏移)。所以同样是处理低光,我们是优先处理低光中的亮部还是暗部呢?CineAltaV给到了我一个细微的选择。再进一步说,我们拿两部CineAltaV平排对比,一台设置在500BASE/6400ISO(500基准感光度/ISO6400),另一台设置在2500BASE/6400ISO(2500基准感光度/6400ISO),其余的设置完全一样,从欠曝五档到过曝五档各拍一条。然后我们把素材过DI,全部拉回到正常的曝光,看到结果是非常有趣的!在不同的基准感光度/ISO组合下,画面的密度和褪色呈现是完全不一样的。这一点也是我这次用来呈现色彩管理的有效手段。

       以下几张静帧是摄影指导张子乐在上一部美剧的某些场景做的CineAltaV的低光测试以及色彩宽容度测试。从画面里可以看到肤色在不同的ISO设置以及不同灯光种类下的表现。不论是高光、地光、HMI、钨丝灯、LED灯,CineAltaV的肤色还原和色彩处理都是非常令人满意的。

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2500ISO BASE / 3200ISO / Tungsten, PAR, DINO/ 高光+8档

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2500ISO BASE / 2500ISO / ASTERA, SKYPANEL / 暗部-9档

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2500BASE / 500ISO / SKYPANEL, JOKER, ASTERA/ 暗部-7档

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500BASE / 500ISO / HMI, ASTERA, SKYPANEL / 1:4 / 整体+1档

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2500BASE / 4000ISO / DMG, PAR, HMI, SKYPANEL / 暗部-7档

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500BASE / 800ISO / HMI PAR / 1:32反差, 室外+3-5.5档

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2500BASE / 3200ISO / DINO, HMI&CTS, Ultra Bounce / 高光+5-7档

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500BASE / 500ISO / ASTERA, SKYPANEL, DMG

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选择不同的ISO

可否分享一下您在使用CineAltaV进行拍摄时的曝光经验?以及拍摄中S-log所表现出的特性?曝光基准放在什么位置能保证暗部层次和纯净度,并且还能给高光留出足够的空间?

张子乐:CineAltaV可以给我非常细微的曝光控制。它是需要几方面配合来达到的,包括基准感光度、ISO、S-Log曲线的搭配。但它们是需要和我们预制的LUT搭配,并且时刻监控的。每个制作的流程不一样,当我遇到比较保守的流程时,我会尽量不使用BT.709色彩空间,而是BT.2020。然后我会做几个LUT,反复切换监看,包括不同S-Log曲线的LUT、Log-BT.2020或者Log-BT.709的LUT、自制LUT等。

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       对于把关曝光基准的最后一关,就是每个LUT所对应的波形,暗部层次或者画面纯净度等,都可以在其中找到答案。其实可控空间的曝光基准都好说,比如室内、夜戏等。在室外或者日光的情况下,我一般会量一量当下自然光的反差,比如说是高光居多,还是大部分画面在阴影里面,还是明暗各半,然后才会选择用哪一个基准感光度/ISO的组合。所有的答案都在剧本、预算和示波器里面,我个人没有一个惯用的基准。一部摄影机再好,也不会单靠它创造出神奇的。越好的摄影机给到的选择可能会越多,了解到感光元件的特性,充分利用灯光、美术、调光流程去配合,才能把优点最大化。

能否简单介绍一下近期拍摄的线上发布会项目,它所使用的XR拍摄,与您的其它拍摄项目有什么不同?

张子乐:近期拍摄的一系列线上发布会项目包括中国平安、零跑汽车、联想电脑等产品,是采用虚拟拍摄和XR流程制作的。

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       它和传统的拍摄模式是完全不一样的。首先,虚拟拍摄在影视上面的开发和应用,只占了游戏应用的冰山一角而已,但尽管如此,它已经可以大大激发我们的创意,让一切的天马行空变得可行,足不出棚便可以在世界,甚至是宇宙的任何角落取景拍摄,它是多么令人兴奋的一件事啊。它的发展空间和可能性是极大的。

       XR拍摄是场景主导的,美术、道具、灯光等都需要去和场景配合,这代表摄影、美术、视效需要比较早的阶段参与前期制作,根据自己的角度去沟通,并达成一个场景的设计方向。Unreal Engine(UE,虚幻引擎)的团队就会展开建立和渲染场景。摄影方面来说,我可以做一个motion capture(动作捕捉),后期团队会根据它制作一个预览,通过这个预览,我们能准确地看到剪接后的节奏和效果等。当然,摄影机和镜头也是需要很早确定的,并把参数全部给到后期部门。


        

       UE场景渲染好后,会从一个无数LED组成的LED显示墙播放,所以LED的间距、bit rate、亮度、色温、刷新率等,都直接影响了曝光、宽容度、色彩还原。同样道理,假如场景里有一颗树,道具组在前景需做一颗道具树,那么颜色、质感等的匹配,也是需要通过大量沟通和测试来做好的。绝大部分的工作是在拍摄前完成的。

       除此之外,我们需要尽早确认场景和分镜头(故事板),它是之后一切摄影流程的蓝本。当故事板落实了以后,我们就知道哪些镜头是要拓展场景的,哪些是不需要的;地面的LED屏是否需要等。这点直接影响我们选什么摄影机和镜头。摄影机和所有镜头需要提早给到UE部门做参数读取和匹配。每一颗镜头的畸变和光圈数值都会被精确记录,以便之后与场景匹配。

使用CineAltaV 2进行XR拍摄,您的使用体验如何?哪些功能给您留下了深刻的印象?

张子乐:拿最近的XR拍摄为例,虚拍棚用的系统是Disguise,经常会出现需要画面拓展的镜头,例如室外场景或者大全景等。画面拓展是实时的,那么摄影机需要同步输出3840或者4096分辨率的双SDI信号给Disguise系统。以我所知,暂时只有CineAltaV可以支持这一点,并与Disguise系统顺畅沟通,同时保持机身录制。不但如此,CineAltaV 2在4K Dual SDI输出的基础上,还允许在机身内选择8K、7.6K、5.7K等不同录制格式,对于景别、景深、效率把控非常有帮助。

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设置CineAltaV 2的输出格式

       另外一项和传统拍摄不一样的规划是布灯。LED场景的三维空间实时变动是根据摄影机运动产生的,把摄影机运动数据传输给Disguise系统的是Mo-Sys。它通过红外线探测棚顶过千个追踪点而换算出摄影机运动轨迹,Mo-sys与追踪点之间的空间是不可以被遮挡的,否则无法追踪摄影机运动。它所带来的难度是灯光的局限性,因为我没有办法像往常一样在顶部大量布灯。这一点也影响到我对于灯的种类和品牌的选择,选择时需要考虑到控台的中央操控。

您觉得在XR拍摄中,在摄影上有哪些需要关注的细节?有哪些关于使用CineAltaV 2进行XR拍摄的经验和技巧可以分享?

张子乐:CineAltaV的S-Log曲线和Disguise系统是最接近和匹配的,这也是CineAltaV的一个XR拍摄的优势。UE的色彩空间和CineAltaV也是非常接近的,所以CineAltaV 是我做XR拍摄的首选。

       但是在XR拍摄中,还是有许多细节是需要注意的,比如我们需要时刻沟通,监控UE渲染场景的色彩、反差和亮度,因为它直接影响了曝光。当UE场景进入Disguise系统之后,Disguise会有自己的一个色彩空间的转换,然后当场景投放到LED墙上的时候,LED的色温也会改变场景的色彩和反差。所以每一个环节都需要严谨把控。

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CineAlta V 在XR现场调试快门角度和色温,匹配LED Wall

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基于虚拟拍摄和LED Wall的特性,比较热的大功率灯不建议使用。子乐拍摄时一般会选用全DMX的控台控制灯光。

       在我的操作和学习经验里,几乎每一个LED墙,可能在每一天的刷新率都不一样的。保证刷新率恒定固然重要,但是当其产生变化时马上匹配其实更重要,这也和布灯有着密切的关系。Moire pattern(摩尔纹)也是LED常常出现的问题。只要UE背景分辨率低于摄影机分辨率,它就必定会出现。留意并避免这个状况是很重要的。

CineAltaV有丰富的画幅和编码格式,对于XR拍摄、美剧和广告作品,您是如何选择编码的?为什么会采用这种编码格式?使用X-OCN编码在全流程的使用中感受如何?

张子乐:在我做摄影机测试时,就做了RAW、X-OCN(XT/ST/LT)等不同压缩的比较测试,结果充满惊喜。首先RAW和X-OCN XT对于后期合成等是没有分别的,但是X-OCN XT的压缩编码帮制作节省了大量的储存空间,我对于X-OCN格式非常认可。

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设置X-OCN编码

       关于X-OCN XT和ST的对比,在特效量不大的情况下,或者在感光元件的低感光度没有推至极限时,这两个压缩格式对于肉眼来说是没有分别的。哪怕是在大量绿布拍摄的情况下,X-OCN ST也是应付有余的。X-OCN ST是我最常用的压缩格式,因为针对备份、储存空间、影响质量等综合因素考量,它是性价比最高的。尤其是在光比把控到位的情况下,我个人是看不出来它和X-OCN XT有什么分别的。

       在我拍XR发布会时,就常常在X-OCN ST和LT之间切换。大部分场景,比如家庭场景,是不会把高感和低感推到极限的,而且在带拓展拍摄时,Disguise系统需要接收的信号是4K/10Bit的输入,而产品的输出要求只是8Bit,所以X-OCN LT是足够的了。当然,某些需要后期特效或者高光的场景,我会采用X-OCN ST拍摄。

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